Сообщение: 1343
Зарегистрирован: 20.10.08
Откуда: Россия, Санкт-Петербург
Репутация:
7
Отправлено: 03.02.09 18:31. Заголовок: Эпоха возрождения и её знаменитые представители (продолжение)
Эпоха возрождения и её знаменитые представители
Ренессанс (Возрождение) (Renaissance), эпоха интеллектуального и художественного расцвета, который начался в Италии в 14 веке, достигнув пика в 16 веке и оказав значительное влияние на европейскую культуру. Термин "Возрождение", означавший возврат к ценностям античного мира появился в 15 веке и получил теоретическое обоснование в 16 веке в трудах Вазари, посвящённых творчеству знаменитых художников, скульпторов и зодчих. В это время сложилось представление о царящей в природе гармонии и о человеке как венце её творения. Среди выдающихся представителей этой эпохи - художник Альберти; архитектор, художник, учёный, поэт и математик Леонардо да Винчи.
Архитектор Брунеллески, новаторски используя эллинистические традиции, создал несколько зданий, не уступавших по красоте лучшим античным образцам. Очень интересны работы Браманте, которого современники считали самым талантливым архитектором Высокого Возрождения, и Палладио, создавших крупные архитектурные ансамбли, отличавшиеся цельностью художественного замысла и разнообразием композиционных решений. Здания театров и декорации сооружались на основе архитектурных работ Витрувия (около 15 г. до н.э.) в соответствии с принципами римского театра. Драматурги следовали строгим классическим канонам. Зрительный зал, как правило, напоминал по форме конскую подкову, перед ним находилось возвышение с авансценой, отделявшейся от основного пространства аркой. Это и было принято за образец театрального здания для всего западного мира на следующие пять столетий.
Живописцы Ренессанса создали цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира, наполнили традиционные религиозные сюжеты земным содержанием (Никола Пизано, конец 14 века; Донателло, начало 15 века). Реалистическое изображение человека стало главной целью художников Раннего Возрождения, о чем свидетельствуют творения Джотто и Мазаччо. Изобретение способа передачи перспективы способствовало более правдивому отображению действительности. Одной из главных тем живописных произведений Ренессанса (Жильбер, Микеланджело) были трагическая непримиримость конфликтов, борьба и гибель героя. Около 1425 г. Флоренция стала центром Ренессанса (флорентийское искусство), но к началу 16 века - Высокое Возрождение - ведущее место заняли Венеция (венецианское искусство) и Рим. Культурными центрами являлись дворы герцогов Мантуи, Урбино и Феррады. Главными меценатами были Медичи и римские папы, особенно Юлий II и Лев Х. Крупнейшими представителями "северного Ренессанса" были Дюрер, Кранах Старший, Хольбейн. Северные художники в основном подражали лучшим итальянским образцам, и только немногие, например Ян ван Скорел, сумели создать свой стиль, который отличался особой элегантностью и грацией, - маньеризм.
Сообщение: 1495
Зарегистрирован: 20.10.08
Откуда: Россия, Санкт-Петербург
Репутация:
8
Отправлено: 11.02.09 22:07. Заголовок: По мере приближения ..
По мере приближения к семидесятым годам хронология тициановских произведений становится все более приблизительной, в какой-то степени из-за стилистической однородности. В то время исполнено много картин на религиозные сюжеты, среди которых трогательная «Мадонна с младенцем» из Лондона и маленький алтарный образ, написанный, возможно, в 1566 году для капеллы семьи Вечеллио в архидьяконской церкви в Пьеве ди Кадоре. Достойна внимания серия картин, посвященных Страстям Христа – «Коронование терновым венцом» из Мюнхена, «Поругание Христа» из Сен-Луи, «Се человек» из Санкт-Петербурга и две версии «Несения креста» из Санкт-Петербурга и Мадрида. В этих произведениях, проникнутых глубоким драматизмом, красочные мазки становятся все более импровизационными, как бы хаотическими; художник отвергает натуралистическую описательность, чтобы акцентировать эмоциональную сторону сюжета и передать собственное к нему отношение. Этим можно объяснить изображение пота, смешанного с кровью, который покрывает истязаемое тело Христа в картине из Мюнхена, или мрачные вспышки сернистых тонов в маленьком полотне из Сент-Луиса. Отношения с Филиппом II продолжались до конца жизни Тициана: среди последних картин, отправленных в Испанию, особенно значительна «Тарквиний и Лукреция» (ныне в Кембридже) - сцена, поражающая динамикой, подобной вспышке молнии, подчеркнутой скольжением лучей света на первом плане. В Вене сохранилась картина, в которой можно увидеть «первую идею» этой композиции. Она больше, чем какое-либо другое произведение, позволяет представить то, о чем рассказывал Пальма Младший - как Тициан пальцами втирал краски, завершая свои полотна.
Таким образом, мы подошли к 1575-1576 годам, когда Тициан заканчивал последние свои произведения. Два из них - официальные заказы: одно, для Палаццо Дожей, изображает «Дожа Антонио Гримани, коленопреклоненного перед Верой в присутствии Святого Марк»а и выполнено с явным участием помощников; другое, посланное Филиппу II – «Испания приходит на помощь Религии», написано в память об участии испанского флота в битве при Лепанто и целиком принадлежит самому Тициану.
Полотна, завершающие творчество Тициана, относятся к последним месяцам, если не дням его жизни. Большая часть из них после смерти художника оставалось в его мастерской и была продана сыном Тициана, Помпонио, различным венецианским коллекционерам. Среди них –«Святой Себастьян» из Санкт-Петербурга, написанный в сернистых тонах, - шедевр живописной виртуозности, особенно проявившейся в необыкновенном пейзажном фоне; «Ребенок с собаками» (Роттердам), чей таинственный сюжет искусствоведы не могут с достоверностью объяснить; а также «Пастух и нимфа» из Вены - живопись, пронизанная мерцающим светом, в котором нашли свое воплощение наиболее выразительные и характерные эффекты палитры позднего Тициана.
Ощущение приближающейся смерти овевает шедевр, над которым Тициан работал летом 1576 года, когда в Венеции свирепствовала страшная чума, унесшая - среди многих других - любимого сына художника, Орацио. Иконография «Наказания Марсия» из Кромержижа имеет своим источником фрески Джулио Романо в зале Метаморфоз в Палаццо дель Те в Мантуе: словно изнутри горящие коричнево-красные тона фона, темная колористическая гамма, едва оживленная неожиданными вспышками света, подчеркивают леденящую жестокость мифологического сюжета. Скрытый смысл этого произведения интерпретировался по-разному, однако присутствие в правой части картины самого Тициана в облике Мидаса позволяет отдать предпочтение гипотезе, которая видит в ней горестные размышления художника над собственной жизнью, над своими иллюзиями о возможности «преобразить материю в драгоценное живописное изображение, угасшими из-за осознания абсолютной ничтожности художественного творчества перед бедствиями истории».
«Оплакивание Христа» из галереи Академии в Венеции предназначалось для капеллы Христа в церкви Фрари (благодаря этому Тициан надеялся получить разрешение быть там погребенным). Но когда художник умер 27 августа 1576 года, картина еще не была полностью закончена и завершил ее с помощью небольшой ретуши Пальма Младший. Это грандиозное полотно на тему смерти, евхаристической жертвы и воскресения является живописным завещанием Тициана. Как и в других произведениях этого времени, здесь царит глубокий драматизм и сдержанная печаль: об этом свидетельствуют трагическая фигура кричащей в отчаянии Магдалины или страшные львиные головы на цоколях статуй, обрамляющих нишу, - предвестие потустороннего мира, неизвестного и потому еще более пугающего. По поверхности картины бегут трепещущие, лихорадочные мазки, нанесенные кистью и пальцами старого художника, и свет скользит по фигурам, выделяющимся на серебристом архитектурном фоне.
Сообщение: 1496
Зарегистрирован: 20.10.08
Откуда: Россия, Санкт-Петербург
Репутация:
8
Отправлено: 11.02.09 22:08. Заголовок: Хронология жизни и п..
Хронология жизни и произведений Тициана Вечеллио да Кадоре
1477 Родился в Пьеве ди Кадоре.
1508-1509 Работает над фресками Фондако деи Тедески.
1510-1511 Создает фрески в Скуола дель Санто в Падуе. «Сельский концерт» (Лувр) и «Концерт» (Питти).
1513 Отказавшись от приглашения Пьетро Бембо приехать в Рим, Тициан предлагает свои услуги Венецианской республике, прося о сенсерии в Фондако деи Тедески. Открывает мастерскую в Сан Самуэле.
1516 Тициан вступает в переговоры с двором герцогов д'Эсте; поездка в Феррару. Заказана «Ассунта».
1517 Тициан получает сенсерию в Фондако деи Тедески после смерти Джованни Беллини.
1518 Завершена картина «Ассунта».
1519 Тициану заказан алтарный образ «Мадонна Пезаро». Поездка в Феррару, чтобы передать заказчику «Празднество Венеры».
1520 Алтарь Гоцци в Анконе. Еще одно путешествие в Феррару. Работа над «Полиптихом Аверольди».
1522 Подписывает и датирует «Полиптих Аверольди».
1523 Вручает Альфонсо д'Эсте в Ферраре «Вакха и Ариадну». Работает в Палаццо Дожей.
1524-1525 Еще одна поездка в Феррару.
1525 Женится на Чечилии, с которой имел уже двух сыновей, Помпонио и Орацио.
1526 Завершена «Мадонна Пезаро».
1528 Заказ на «Убиение Петра Мученика» для церкви Санти Джованни э Паоло.
1529 Встречается в Парме с Карлом V.
1530 Завершает алтарный образ с изображением Петра Мученика. При родах дочери Лавинии умирает жена Тициана, Чечилия.
1531 Работает для Федерико Гонзага. Переезжает в дом на Бири Гранде, в приходе Сан Канчано, где будет жить до самой смерти.
1533 От Карла V в Болонье получает титул графа Палатинского и рыцаря Золотой шпоры. Тициан отказывается переехать в Мадрид.
1536 Работает для Франческо Мария делла Ровере.
1537 Монахини монастыря Сайта Мария дельи Анджели отказываются принять Благовещение, Тициан дарит его королеве Изабелле.
1538 Заканчивает «Битву при Сполето». У Тициана отобрана сенсерия в Фондако деи Тедески. «Венера Урбинская».
1539 «Введение Марии во храм». Тициану возвращена сенсерия.
1540 «Коронование терновым венцом» (Лувр).
1541 «Обращение Альфонсо д'Авалос к войскам» (Прадо).
1542 «Портрет Рануччо Фарпезе» (Вашингтон).
1543 «Портрет Павла III Фарнезе» и «Портрет Изабеллы Португальской».
1544 Завершает картины для плафона церкви Санто Спирито ин Изола.
1545 Едет в Рим по приглашению Алессандро Фарнезе.
1546 Получает звание почетного гражданина Рима; возвращение в Венецию.
1548 Встречается в Аугсбурге с Карлом V. «Конный портрет императора Карла V, Портрет принца Филиппа».
1549 Пишет «Проклятых» для королевы Марии Венгерской (Прадо).
1550 По приглашению Карла V вновь едет в Аугсбург.
1551 Возвращается в Венецию; принят в члены братства Скуола ди Сан Рокко.
1552 Начало переписки с принцем Филиппом. Посылает принцу различные картины.
1553 «Венера и Адонис» и «Даная» (Прадо).
1554 Посылает Карлу V «Поклонение святой Троице» (Прадо).
1557 Принимает участие в жюри, созванном для оценки декорации плафона в Библиотеке святого Марка; награду получает Веронезе.
1558 «Распятие» для церкви Сан Доменико в Анконе. Умирает Карл V.
1559 Умирает брат Тициана, Франческе. «Диана и Актеон» и «Диана и Каллисто» (Эдинбург).
1561 Умирает дочь Лавиния.
1562 «Похищение Европы» (Бостон); «Благовещение» для церкви Сан Сальваторе.
1564 Торговля лесом с герцогом Урбинским. Поездка в Брешию.
1566 Получает монополию Совета Девяти на гравюры со своих картин, исполненные Корнелиусом Кортом. Встречается с Вазари, посетившим его мастерскую. Вместе с Палладио и Тинторетто становится членом Академии рисунка во Флоренции.
1568 «Портрет Якопо Страда» (Вена).
1569 По просьбе Тициана сенсерия передана его сыну Орацио.
1570 «Тарквиний и Лукреция» (Кембридж).
1571 В письме к Филиппу II сообщает, что ему девяносто пять лет.
1575 Посылает Филиппу II картину «Испания приходит на помощь Религии» (Прадо).
1576 Тициан еще раз напоминает Филиппу II о необходимости уплаты долгов за исполненные им картины. «Оплакивание Христа» (Венеция) и «Наказание Марсия» (Кромержиж).
27 августа 1576 Тициан умирает. Его дом подвергается разграблению.
Браманте (Bramante) [собственно Паскуччо д'Антонио (Pascuccio d'Antonio)] Донато (1444, Монте-Аздруальдо, ныне Ферминьяно, близ Урбино, - 11.3.1514, Рим), итальянский архитектор эпохи Возрождения. Юность провёл в Урбино, где воспринял передовые гуманистические идеи Пьеро делла Франческа и Лучано Лаураны. До 1477 переехал в Милан, где познакомился с архитектурными исканиями Леонардо да Винчи. Вначале выступал как живописец, что отразилось и в первой архитектурной работе Браманте - перестройке церкви Санта-Мария прессо Сан-Сатиро в Милане (1479-83): перекрыв главный неф и трансепт мощными цилиндрическими сводами, Браманте использовал перспективную роспись и рельеф, чтобы изобразить перекрытый таким же сводом хор; там же Браманте осуществлены гармоничные центрические композиции сакристии и небольшой капеллы Снятия со креста. В церкви Санта-Мария делле Грацие в Милане (1492-97) Браманте создал хор и светлое просторное средокрестие, увенчанное лёгким куполом; цельность замысла сочетается здесь с традиционной для зодчества Ломбардии декоративностью. Браманте принадлежит и основной замысел собора в Павии (1488-92), с куполом, высоко поднятым на 8 стройных столбах над обширным средокрестием.
Переехав в 1499 в Рим, Браманте занял здесь ведущее место среди архитекторов, которые создали общеитальянский стиль Высокого Возрождения, повлиявший на всё европейское зодчество. Строг и величав завершенный Браманте в 1499-1511 фасад дворца Канчеллерия; его внутреннему двору с 2 ярусами изящных аркад Браманте придал лёгкость и пластичность. Оригинальна композиция дворика церкви Санта-Мария делла Паче (1500-04), столбы которого в нижнем ярусе несут аркаду, а в верхние, перемежаясь с коринфскими колонками, завершаются архитравным перекрытием. Наибольшей пластичной цельности и ясности, жизнерадостной гармонии Браманте достиг в маленькой купольной часовне-ротонде Темпьетто (во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио; 1502), окруженной внизу римско-дорической колоннадой и расчленённой в обоих ярусах полукруглыми нишами.
С 1503 Браманте вёл по поручению папы Юлия II обширные работы в Ватикане. Им созданы здесь двор Сан-Дамазо (около 1510) и достигающий в длину около 300 м, завершенный огромной нишей двор Бельведера (1503-45) для турниров и зрелищ; разница в уровнях его 3 террас использована для создания мест для зрителей и грота с фонтанами. Двор Бельведера, развивая приёмы древнеримских ансамблей, предвосхитил композицию многих вилл последующего времени. До конца жизни Браманте проектировал и строил грандиозный собор св. Петра в Риме. Им было предложено центрическое сооружение с планом в виде вписанного в квадрат равноконечного креста, с мощным сферическим куполом над средокрестием, 4 малыми куполами и башнями по углам. Проект не был осуществлен, но его идеи воплотились во многих центрально-купольных зданиях Италии и других стран.
Творчество Браманте - одна из вершин архитектуры Возрождения. Браманте создал архитектурные образы, замечательные гармоничным совершенством и цельностью, свободным, творческим применением классических форм.
Л.Кранах. Автопортрет 1550 г., Галерея Уффици, Флоренция
Родился в 1472 г. в местечке Кронах в Верхней Франконии (северная часть нынешней Баварии) в семье живописца Ганса Мюллера, известного лишь по упоминаниям. Живописи обучался у своего отца. Усвоив основы ремесла, молодой художник покинул родительский дом. В поисках признания в 1490-е гг. он исколесил придунайские земли и в 1500 г. обосновался в Вене. Здесь Кранах написал первые дошедшие до нас картины («Распятие», «Отдых на пути в Египет»). В Вене художник пишет свои первые портреты («И. Куспиниан»). В 1505 г. Кранах получает место придворного живописца при дворе Саксонского курфюста Фридриха Мудрого в Виттенберге. Вместе с полагающимися привилегиями Кранах получил целый ряд обязанностей: он сопровождал своего господина на охоте, участвовал в турнирах и празднествах, а в 1508 г. был даже послан с дипломатической миссоей в Нидерланды к императору Священной Римской империи Максимилиану I. За 45 лет, прожитых в Виттенберге, Кранах из безродного странствующего живописца превратился в самого богатого жителя города, многоуважаемого члена городского управления, дважды избиравшегося бургомистром. Он содержал большую мастерскую, был владельцем нескольких домов и земельных участков, аптеки, книжной лавки и типографии. Женился Кранах на дочери богатого виттенбергского пивовара, тем самым умножив свои богатства. В первые несколько лет придворной службы Кранах занимался преимущественно гравюрами. Он был одним из первых европейских граверов, начавших создавать цветные оттиски («Адам и Ева»), которые печатались с двух досок: одна давала черный рисунок, другая — цветной фон. Единственным живописным произведением этого периода стал «Алтарь Св. Екатерины». Лишь после нидерландского путешествия Кранах вновь обратился к живописи, работая в различных ее жанрах. Это и большие алтари для саксонских церквей («Княжеский алтарь»), и картины на библейские темы («Рождество Христа»), и мифологические композиции («Венера и Амур», «Нимфа источника», «Суд Париса»), и жанровые сцены, и сцены охоты («Охота на оленей»). С 1510-х гг. в творчестве Кранаха нарастают черты, предвосхитившие европейский маньеризм 1530—50-х гг.: манерные и жеманные изображения, выполненные по заказам знати и в большом количестве размножавшиеся мастерской художника («Нимфа источника», «Суд Париса»). На протяжении всей жизни Кранах оставался замечательным мастером портретного жанра. Его портреты пользовались большой популярностью. Моделями Кранаха были саксонские курфюсты и члены их семей, вельможи, деятели церкви и науки («И. Шёнер»). Особое место в ряду образов, созданных художником, занимают портреты Мартина Лютера и его сподвижника Меланхтона, считающиеся единственными их изображениями. Сам великий реформатор сыграл немаловажную роль в жизни Кранаха. Их знакомство состоялось в начале 1520-х гг. и вскоре переросло в тесную дружбу. Приняв учение Лютера, Лукас становится «живописцем реформации»: создает картины и гравюры, выражающие идеи Реформации, иллюстрирует сочинения Лютера, пишет его портреты («Портрет Мартина Лютера»). В то же время в числе его постоянных заказчиков был кардинал Альбрехт Бранденбургский — ярый приверженец католической церкви («Портрет кардинала Альбрехта Бранденбургского»). После смерти Фридриха Мудрого художник остался при дворе его брата Иоганна Твердого (Постоянного). Он стал наставником его сына, Иоганна Фридриха, впоследствии получившего прозвище «Великодушного». Кранах стоял во главе саксонского посольства, прибывшего к курфюсту Иоанну III Миротворцу, чтобы посватать его дочь, принцессу Сибиллу Клевскую, за принца Иоганна Фридриха. В дальнейшем именно Сибилла стала моделью для многочисленных кранаховских женских персонажей, мифологических и библейских («Адам и Ева», «Венера и Амур», «Лукреция»). В 1550 г. курфюст Иоганн Фридрих, впавший в немилость императора Карла V, был взят в плен, а затем отправлен в ссылку. Верный своему воспитаннику до конца, Кранах следует за ним сначала в Аугсбург, а затем в Веймар. 16 октября 1553 г. Лукас Кранах скончался.
немецкий живописец и график. Основоположник искусства немецкого Возрождения. В напряженно-экспрессивных формах, фантастических образах воплотил ожидание всемирно-исторических перемен (серия гравюр «Апокалипсис», 1498), выразил гуманистические представления о смысле бытия и задачах искусства (т. н. мастерские гравюры, 1513-14). Создал полные силы и энергии образы человека реформационной эпохи («Портрет молодого человека», 1521, диптих «Четыре апостола», 1526), людей из народа (гравюра «Три крестьянина»). Известен как тонкий, наблюдательный рисовальщик (св. 900 рисунков). Теоретик искусства («Четыре книги о пропорциях человека», 1528).
Биография Альбрехта Дюрера
Сын серебряных дел мастера, выходца из Венгрии. Учился сначала у отца, затем у нюрнбергского живописца и гравера Михаэля Вольгемута (1486-90). Обязательные для получения звания мастера «годы странствий» (1490-94) провел в городах Верхнего Рейна (Базель, Кольмар, Страсбург), где вошел в круг гуманистов и книгопечатников. В Кольмаре, не застав в живых М. Шонгауэра, у которого намеревался совершенствоваться в технике гравюры на металле, изучал его работы, общаясь с его сыновьями, также художниками. Вернувшись в 1494 в Нюрнберг, женился на Агнесе Фрей и открыл собственную мастерскую. Вскоре отправился в новое путешествие, на этот раз в Северную Италию (1494-95; Венеция и Падуя). В 1505-07 вновь был в Венеции. Познакомившись в 1512 с императором Максимилианом I, видимо, тогда же начал на него работать (вплоть до его смерти в 1519). В 1520-21 посетил Нидерланды (Антверпен, Брюссель, Брюгге, Гент, Малин и другие города). Работал в Нюрнберге.
Творчество. Дюрер и Италия
Творческий путь Дюрера совпал с кульминацией немецкого Возрождения, сложный, во многом дисгармоничный характер которого наложил отпечаток на все его искусство. Оно аккумулирует в себе богатство и своеобразие немецких художественных традиций, постоянно проявляющихся в облике персонажей Дюрера, далеком от классического идеала красоты, в предпочтении острохарактерного, во внимании к индивидуальным деталям. В то же время огромное значение для Дюрера имело соприкосновение с итальянским искусством, тайну гармонии и совершенства которого он старался постичь. Он — единственный мастер Северного Возрождения, который по направленности и многогранности своих интересов, стремлению овладеть законами искусства, разработке совершенных пропорций человеческой фигуры и правил перспективного построения может быть сопоставлен с величайшими мастерами итальянского Возрождения.
Рисунки
Дюрер был равно одарен как живописец, гравер и рисовальщик; рисунок и гравюра занимают у него большое, подчас даже ведущее место. Наследие Дюрера-рисовальщика, насчитывающее более 900 листов, по обширности и многообразию может быть сопоставлено только с наследием Леонардо да Винчи. Рисование было, видимо, частью каждодневной жизни мастера. Он блестяще владел всеми известными тогда графическими техниками — от серебряного штифта и тростникового пера до итальянского карандаша, угля, акварели. Как и для мастеров Италии, рисунок стал для него важнейшим этапом работы над композицией, включающим в себя эскизы, штудии голов, рук, ног, драпировок. Это инструмент изучения характерных типов — крестьян, нарядных кавалеров, нюрнбергских модниц. Его прославленные акварели «Кусок дерна» и «Заяц» (Альбертина, Вена) выполнены с такой пристальностью и холодноватой отстраненностью, что могли бы иллюстрировать научные кодексы.
Творческая зрелость. Живопись 1494-1514
Первая значительная работа Дюрера — серия пейзажей (акварель с гуашью, 1494-95), выполненных во время путешествия в Италию. Эти продуманные, тщательно сбалансированные композиции с плавно чередующимися пространственными планами — первые «чистые» пейзажи в истории европейского искусства. Ровное, ясное настроение, стремление к гармоническому равновесию форм и ритмов определяют характер живописных работ Дюрера конца 15 в. — начала 2-го десятилетия 16 в.; таковы небольшой алтарь «Рождество» («Алтарь Паумгартнеров», ок. 1498, Старая пинакотека, Мюнхен), «Поклонение волхвов» (ок. 1504, Уффици), где Дюрер объединяет группу, состоящую из Мадонны и трех волхвов, спокойным круговым ритмом, плавностью силуэтов, подчеркнутой мотивом арки, многократно повторяющимся в архитектурной декорации.Одной из главных тем творчества Дюрера в 1500-х гг. становится поиск идеальных пропорций человеческого тела, секреты которых он ищет, рисуя обнаженные мужские и женские фигуры (Дюрер первым в Германии обратился к изучению обнаженной натуры), суммируя их в гравюре на меди «Адам и Ева» (1504) и одноименном большом живописном диптихе (ок. 1507, Прадо).К годам творческой зрелости Дюрера относятся его самые сложные, гармонически упорядоченные многофигурные живописные композиции — выполненный для одной из венецианских церквей «Праздник четок» (1506, Национальная галерея, Прага) и «Поклонение св. Троице» (1511, Музей истории искусств, Вена). «Праздник четок» (точнее — «Праздник венков из роз») — одна из самых больших (161,5х192 см) и наиболее мажорная по интонации живописная работа Дюрера; она наиболее близка итальянскому искусству не только мотивами, но и жизненной силой, полнокровием образов (большей частью портретных), полнозвучием красок, широтой письма, равновесием композиции. В небольшой алтарной картине «Поклонение св. Троице» сонм святых, отцов Церкви, ангелов, парящих в небесах, объединяют, как в «Диспуте» Рафаэля, ритмические полукружия, перекликающиеся с арочным завершением алтаря.
Портреты и автопортреты
Важнейшее место в живописном наследии Дюрера занимает портрет. Уже в раннем портрете Освальда Креля (ок. 1499, Старая пинакотека, Мюнхен) Дюрер предстает как сложившийся мастер, блестяще передающий своеобразие характера, внутреннюю энергию модели. Уникальность Дюрера и в том, что ведущее место среди его ранних портретов занимает автопортрет.Тяга к самопознанию, водившая рукой 13-летнего мальчика («Автопортрет», 1484, рисунок серебряным штифтом, Альбертина, Вена) получает дальнейшее развитие в трех первых живописных автопортретах (1493, Лувр; 1498, Прадо; 1500, Старая пинакотека, Мюнхен), причем в последнем из них мастер изображен строго в фас, и его правильное лицо, обрамленное длинными волосами и небольшой бородкой, напоминает об изображениях Христа-Пантократора.
Гравюры
Дюрер одинаково успешно работал и в области ксилографии (гравюра на дереве), и в области резцовой гравюры на меди. Следуя за Шонгауэром, он превратил гравюру в один из ведущих видов искусства. В его гравюрах получил выражение беспокойный, мятущийся дух его творческой натуры, волновавшие его драматические нравственные коллизии. Резким контрастом ранним, спокойным и ясным живописным работам стала уже его первая большая графическая серия — 15 гравюр на дереве на темы апокалипсиса (1498). В своих гравюрах Дюрер в гораздо большей мере, чем в живописных работах, опирается на чисто немецкие традиции, проявляющиеся в чрезмерной экспрессии образов, напряженности резких, угловатых движений, ритме ломающихся складок, стремительных, клубящихся линий. Грозный характер носит образ Фортуны на одной из лучших его резцовых гравюр, вошедшей в историю искусств под названием «Немезида» (начало 1500-х гг.).Характерные для немецкой художественной традиции обилие подробностей, интерес к жанровым деталям заметны в самом спокойном и ясном по настроению графическом цикле Дюрера «Жизнь Марии» (ок. 1502-05, ксилографии). Драматической экспрессией отличаются два больших графических цикла, посвященных страстям Христа, т. н. «Большие страсти» (ксилографии, ок. 1498-1510) и две серии «Малых страстей» (гравюры на меди, 1507-13 и 1509-11); они получили наибольшую известность у современников.Важнейшее место в творческом наследии Дюрера занимают гравюры «Рыцарь, Смерть и Дьявол» (1513), «Св. Иероним в келье» (1514), «Меланхолия»(1514), образующие своеобразный триптих. Выполненные с виртуозной тонкостью в технике резцовой гравюры на меди, отличающиеся лаконизмом и редкой образной сосредоточенностью, они, видимо, не были задуманы как единый цикл, однак о их объединяет сложный морально-философский подтекст, истолкованию которого посвящена обширная литература. Образ сурового немолодого воина, движущегося к неведомой цели на фоне дикого скалистого пейзажа, невзирая на угрозы Смерти и следующего по его пятам Дьявола, навеян, по-видимому, трактатом Эразма Роттердамского «Руководство христианского воина». Св. Иероним, углубившийся в ученые занятия, предстает как олицетворение духовной самоуглубленности и созерцательной жизни. Величественная, погруженная в мрачное размышление крылатая Меланхолия, окруженная хаотическим нагромождением орудий ремесла, символов наук и быстротекущего времени, трактуется обычно как олицетворение мятущегося творческого духа человека (гуманисты эпохи Возрождения видели в людях меланхолического темперамента воплощение творческого начала, «божественной одержимости» гения).
Поздние работы
Работая после 1514 при дворе императора Максимилиана I, Дюрер был загружен официальными заказами, самым трудоемким из которых было создание колоссальной, отпечатанной на 192 досках раскрашенной литографии «Арка Максимилиана I» (в работе над ней, кроме Дюрера, участвовала большая группа художников).Начало нового творческого подъема связано с поездкой Дюрера в Нидерланды (1520-21), где он, кроме многочисленных беглых зарисовок, сделал ряд превосходных графических портретов («Эразм Роттердамский», уголь, 1520, Лувр; «Лука Лейденский», серебряный карандаш, Музей изящных искусств, Лилль; «Агнес Дюрер», металлический карандаш, 1521, Гравюрный кабинет, Берлин, и др.). В 1520-е гг. портрет становится ведущим жанром в творчестве Дюрера и в гравюре на меди (портреты крупнейших гуманистов его времени — Филиппа Меланхтона, 1526, Виллибальда Пиркхеймера, 1524, Эразма Роттердамского, 1526), и в живописи («Портрет молодого человека», 1521, Картинная галерея, Дрезден; «Мужской портрет», 1524, Прадо; «Иероним Хольцшуэр», 1526, Картинная галерея, Берлин-Далем, и др.). Эти небольшие подгрудные портреты отличаются классической завершенностью, безупречной композицией, чеканностью силуэтов, эффектно усложненных очертаниями широкополых шляп или огромных бархатных беретов. Композиционным центром в них является данное крупным планом лицо, вылепленное тонкими переходами света и теней. В легкой, едва заметной мимике, очертаниях полуоткрытых или чуть изогнутых в улыбке губ, взгляде широко раскрытых глаз, движении нахмуренных бровей, энергичном рисунке скул проступает отблеск напряженной духовной жизни. Сила духа, открытая Дюрером в его современниках, обретает новый масштаб в его последней живописной работе — большом диптихе «Четыре апостола» (1526, Старая пинакотека, Мюнхен), написанном для нюрнбергской ратуши. Огромные фигуры апостолов Иоанна, Петра и Павла, евангелиста Марка, олицетворяющие, по свидетельству некоторых современников Дюрера, четыре темперамента, трактуются с такой монументальностью, что могут быть сопоставлены только с образами мастеров итальянского Высокого Возрождения.В последние годы жизни Дюрер издал свои теоретические труды: «Руководство к измерению циркулем и линейкой» (1525), «Наставление к укреплению городов, замков и крепостей» (1527), «Четыре книги о пропорциях человека» (1528). Дюрер оказал огромное влияние на развитие немецкого искусства 1-й половины 16 в. В Италии гравюры Дюрера пользовались таким успехом, что даже выпускались их подделки; прямое воздействие его гравюр испытали многие итальянские художники, в том числе Понтормо и Порденоне.
Ханс Хольбейн (Ганс Гольбейн) Младший родился в 1497 или 1498 г. в богатом швабском городе Аугсбурге в семье знаменитого художника Ханса Хольбейна Старшего, мастера алтарной живописи. Вместе со старшим братом Амброзиусом Ханс учился живописи в мастерской своего отца. В 1515 г. юные Хольбейны переезжают в швейцарский город Базель и два года работают в мастерской Х. Хербстера. Свою самостоятельную творческую деятельность Хольбейн начинает с ксилографии — иллюстрирует книги у известного издателя И. Фробера. В период с 1519 по 1526 гг. им было исполнено более 1200 печатных досок. В 1515 году Ханс создает иллюстрации к «Похвале глупости» Эразма Роттердамского и становится его другом. В историю мировой живописи Хольбейн вошел, прежде всего, как выдающийся портретист. Блестящим дебютом молодого художника стали портреты базельского бургомистра «Якоба Мейера» и его супруги «Доротеи Канненгиссер». Незаурядные способности Хольбейна приносят ему раннюю славу. В 21 год Ханс стал признанным мастером. Он вступил в базельскую гильдию художников и унаследовал мастерскую брата, после его преждевременной кончины. В это же время художник женится на Элизабет Шмидт. В первый базельский период (до 1526 г.) Хольбейн создает религиозные композиции («Мертвый Христос»), исполняет живописно-декоративные произведения (фрески «Дома танца» в Базеле, не сохранились), пишет многочисленные портреты бюргеров и гуманистов («Эразм Роттердамский»). Главное произведение этого периода — «Мадонна бургомистра Мейера», исполненная для алтаря капеллы замка Мейера. В 1524—26 гг. Хольбейн исполняет серию рисунков «Образы смерти» (известных под названием «Пляска смерти»), представляющих собой аллегорический комментарий к немецкой действительности эпохи Великой крестьянской войны. (Изданы в гравюрах на дереве в 1538 г.) Начавшаяся Реформация вынуждает Хольбейна покинуть страну. В 1526 г. он едет в Лондон. Благодаря рекомендательным письмам Э. Роттердамского художник был любезно принят в доме Томаса Мора, канцлера и советника короля Генриха VIII. В короткий срок Хольбейн приобретает широкую известность среди друзей Мора как великолепный портретист («Астроном Николас Кратцер»). Он создает как живописные, так и графические портреты («Портрет Т. Мора»). По возвращении в Базель в 1528 г. Хольбейн пишет почти исключительно портреты и занимается украшением фасадов. В 1530—32 гг. исполняет серию рисунков на библейские темы (изданы в гравюрах на дереве в 1538 г.). В 1532 г. Хольбейн уезжает в Лондон навсегда. К этому времени Мор оказался в опале, и Хольбейну пришлось искать покровительства у немецких купцов — членов Ганзейского союза. Он украшает росписями их резиденцию «Стальной двор» (не сохранились) и пишет многочисленные портреты («Портрет Г. Гисце»). Слава Хольбейна как великолепного портретиста быстро растет. Начиная с 1533 г. он получает многочисленные заказы на портреты лондонской знати и высокопоставленных особ, а в 1536 г. становится придворным живописцем короля. В этот период Хольбейном были созданы шедевры портретной живописи («Портрет Т. Кромвеля», «Посланники», «Портрет Ш. Моретта», «Портрет Р. Чесмена», «Портрет Р. Саутвелла», «Портрет Джейн Сеймур», «Портрет Кристины Датской», «Портрет Анны Клевской», «Портрет Генриха VIII»). В Англии Хольбейна ценили также как мастера миниатюры, создававшего рисунки для предметов роскоши и прикладного искусства. Последней работой художника стал эскиз для настенных часов, предназначенных Генриху VIII. Осенью 1543 г. Хольбейн умер от чумы.
Сообщение: 2133
Зарегистрирован: 20.10.08
Откуда: Россия, Санкт-Петербург
Репутация:
13
Отправлено: 27.04.09 21:00. Заголовок: Ян ван Эйк родился ..
Ян ван Эйк родился около 1390 г. в городе Маасэйк в нидерландской провинции Лимбург. О юношеских годах Ван Эйка известно мало; предположительно, живописи он учился у старшего брата Губерта. К 1422 г., когда имя Ван Эйка впервые упоминается в документах, он был уже известным живописцем, состоявшим на службе у Иоанна Баварского, графа Голландии, Зеландии и Геннегау, двор которого находился в Гааге. В 1422—24 гг. художник работал над украшением графского замка в Гааге. После смерти Иоанна Баварского Ван Эйк, к тому времени пользовавшийся громкой славой, переехал во Фландрию. Весной 1425 г. он был принят на службу к герцогу Бургундскому Филиппу Доброму. На службе у герцога художнику приходилось выполнять, в том числе, «особые» поручения. Так, в 1428—29 гг. вместе с послами Филиппа Ван Эйк находился в Португалии, где участвовал в переговорах о заключении брачного договора между вдовцом-герцогом и португальской принцессой Изабеллой. В 1427 г. Ван Эйк посетил Турне, где был с почетом принят местной гильдией живописцев и, вероятно, встречался с Робером Кампеном или видел его картины. Позднее Ван Эйк работал в Лилле и Генте, а с 1431 г. — в Брюгге. Концом 1420-х гг. датируется одна из первых дошедших до нас картин Ван Эйка — композиция «Мадонна в церкви». Крупнейшим произведением Ван Эйка стал Гентский алтарь, созданный по заказу гентского горожанина Йодока Вейдта, человека богатого и влиятельного, для его капеллы Св. Иоанна Богослова в гентской церкви Св. Иоанна Крестителя. Алтарь представляет собой грандиозный многоярусный полиптих, состоящий из двадцати шести картин, на которых изображены двести пятьдесят восемь человеческих фигур. Высота алтаря в центральной его части достигает трех с половиной метров, ширина в раскрытом виде — пяти метров. Согласно позднейшей надписи на раме, работа над алтарем была начата Хубертом ван Эйком (старшим братом Яна) в 1422 г. и закончена Яном ван Эйком в 1432 г. Вопрос об участии Хуберта ван Эйка в работе над алтарем является спорным: по мнению большинства исследователей, Хуберт мог лишь начать работу над центральной частью алтаря, но в целом алтарь выполнен Яном ван Эйком. 1430-е годы — период творческого расцвета Ван Эйка. К этому времени он обосновался в Брюгге: купил дом с каменным фасадом и вскоре женился на некоей Маргарете. Вершина творчества Ван Эйка — монументальные алтарные композиции «Мадонна канцлера Ролена» и «Мадонна каноника ван дер Пале». Развивая достижения своих предшественников, прежде всего Робера Кампена, он превращает традиционную сцену поклонения Богоматери в величественное и красочное изображение реального мира. Ван Эйк явился одним из первых в Европе крупных мастеров портретной живописи. В его творчестве портрет выделился в самостоятельный жанр («Человек в красном головном уборе»). Ван Эйк создал первый в европейской живописи парный портрет («Портрет четы Арнольфини»). До наших дней дошли только портреты и религиозные картины Ван Эйка, однако в источниках упоминаются также его композиции светского содержания. Ван Эйка долгое время считали изобретателем масляных красок. Однако на самом деле он их всего лишь усовершенствовал. Открытый художником рецепт приготовления красок оказался столь удачным, что в скором времени масляная живопись прочно утвердилась в нидерландском искусстве, а впоследствии распространилась по всей Европе, заняв господствующее положение в европейской живописи и сохранив его вплоть до конца XIX в.
Все даты в формате GMT
4 час. Хитов сегодня: 22
Права: смайлы да, картинки да, шрифты да, голосования нет
аватары да, автозамена ссылок вкл, премодерация вкл, правка нет
- участник сейчас на форуме